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Ugo Rondinone于1964年生于瑞士布鲁嫩地区的一个意大利家庭。在他十几岁的时候，一家人移居到了瑞士的苏黎世地区。
最初，罗迪诺想要成为一名美术老师。但在19岁的时候，他成了多媒体艺术家赫尔曼·尼奇（Hermann Nitsch）的助手，协助了赫尔曼一整年。然后他搬到了维也纳，去了维也纳的艺术学院学习。
自20世纪80年代以来，德国浪漫主义运动（the German Romantic movement）一直是他作品的主要参考点，专注于自然世界与人类状况之间的关系，以及自然的崇高。
据乌戈·罗迪诺回忆，在80年代，瑞士没有什么艺术学校。他说：“为了成为一名艺术家，我不得不走‘越野的道路’。所以，当我18岁的时候，我就知道，我想成为一名艺术家，而不是当我还是个孩子的时候。”
到20世纪80年代末，尽管罗迪诺还处于艺术生涯的早期，但是他的风景素描中，已经厚厚地笼罩了一种迷宫般的阴郁。这是因为，这些素描创作于罗迪诺的男朋友、年轻的化学系学生曼弗雷德·韦斯纳(Manfred Weisner)死于艾滋病后不久。
“我认为世界是一个神秘的地方，外表是骗人的，最终的现实很少被察觉。一个人人都能创造自己的时间和空间的世界，是一个悖论。”他说，“一方面，我们认为时间和空间是可靠的、可预测的实体，而时间和空间呈现给我们的是一种欺骗性的现实形式。但时间和空间的内在生活是阴郁、迷宫和危险的。”
受到德国浪漫主义诗人歌德绘制的旅行素描的影响，到90年代初，罗迪诺用喷枪绘制出了光滑、圆润的太阳画，具有机器般的完美。对于罗迪诺来说，“风景画呈现的是对过去的怀旧之情，而太阳画则以其超现代主义风格的彩色同心圆展望未来。”
1997年，罗迪诺搬 到了纽约曼哈顿。 同年晚些时候，他创作了他的第一个最知名的作品:“夜彩虹”，也就是彩虹色的标志。
“我用一种流行的象征——彩虹，作为一种工具，用一首诗来吸引世界。”他说，“而且，作为一个酷儿（queer），我对彩虹有自己的感情。当时，我们仍然受到艾滋病危机的影响，但我觉得，公开发表同性恋积极的声明很重要。”
在罗迪诺的艺术实践中，彩虹是最常见的主题之一。从1997年开始，他开始制作发光的彩虹标志，用彩虹的形状和颜色用大字呈现简单的诗意标题和短语。他后来的大型半圆形绘画，延续了在画布上喷丙烯酸和在有机玻璃上丝印的处理手法。
1998年，一直在纽约生活和工作的罗迪诺，遇到了他的丈夫——著名的作家、诗人和演员约翰·乔诺（ John Giorno）。他们的关系一直持续到2019年乔诺去世。这对罗迪诺的艺术产生了很大的影响。
最初，他觉得，自己为作品“彩虹”选择的短语“CRY ME A RIVER”，似乎显得有些暧昧而忧郁。但后来，当罗迪诺爱上美国诗人约翰·乔诺(John Giorno)时，这种感受发生了变化。这段感情促使他制作了一个彩虹牌，上面写着“LOVE INVENTS US”。
彩虹，是既美丽又梦幻的事物。在西方的大环境下，彩虹很容易被认为是LGBT的象征。当然，也可以象征着爱任何人的自由。鉴于他与约翰·乔诺的伴侣关系，彩虹对他来说，是一个特别重要的象征。
尺度的概念，无论是在物理大小，还是在时间流逝方面，对艺术家来说都是至关重要的。
“艺术最让我感兴趣的是它固有的‘缓慢’。我把‘缓慢’与能够存在的可能性联系在一起。当事情进展缓慢时，衡量尺度和价值本身就开始消失。”罗迪诺认为，这种冥想迷失方向的结果是深刻的变化。
他说：“这是一个神奇的转变。它改变了你，一切都和以前不一样了。”正是出于这种观点，他创作的雕塑有些规模庞大，有些形态袖珍。
比如，他在洛克菲勒中心展出的石像，高16至20英尺，重达3万磅，组装需要起重机，让人想起史前的纪念碑，如巨石阵和复活节岛。
他把石头排列成人的形状，故意留下粗糙的边缘和天气痕迹，与光滑的城市环境形成对比。“石像是人类形态的最原型代表。它是人类精神的基本象征，与地球相连，但在想象中却充满神话色彩。”罗迪诺说。
而在巴黎和英格兰展出的铜铸雕塑，则普遍小到可以在楼梯道摆上一排又一排，如同玩具模型。观众们站在这些雕塑之前，仿佛置身于童话中的小人国。
“我不需要通过语言惯例来理解一件艺术品。”罗迪诺解释道，“我只能去感受它。”而当罗迪诺创作艺术品时，“我的所有的灵感都来自于大自然。”
他和他那位离世的男友曼弗雷德·韦斯纳，都曾在维也纳学习。韦斯纳的去世，对罗迪诺的艺术生涯，也产生了很大的影响。
“曼弗雷德的死，是我生命中的一个转折点。我决定充分利用剩下的时间。”罗迪诺说，“在1988年底，艾滋病危机期间，我从悲伤中解脱出来。在大自然中找到了慰藉、重生和灵感的精神路线。”
他认为，“在大自然中，你会进入一个神圣与世俗、神秘与平凡相互震动的空间。这个在自然界中发现的新基础，将在接下来的三十多年里指导我的工作。”
从2016年开始，罗迪诺使用明亮的颜料，在拉斯维加斯高速公路以南20英里、通往洛杉矶的路上，花费五年的时间堆砌巨石，创作了他被广泛参观的大地艺术作品《七魔山》(Seven Magic Mountains)。
这些巨石堆，在一定程度上是对他父亲的职业——泥瓦匠，献上致敬，但它们也是对20世纪70年代大地艺术的回应和批判。“大地艺术是对艺术品商品化的一种反应，也是对艺术与环境之间联系的一种肯定。”罗迪诺解释说。
在大地艺术领域，像迈克尔·海泽(Michael Heizer)的《双重否定》(Double Negative)、罗伯特·史密森(Robert Smithson)的《螺旋码头》(Spiral Jetty)，或南希·霍尔特(Nancy Holt)的《阳光隧道》(sun tunnels)这样的开创性作品，很难让人在大自然的环境下一眼找到，因为这些作品柔和的色彩，往往会将它们与周围的风景掩盖了起来。
而罗迪诺的意图是，将大地艺术的语言，与波普艺术的语言，混合在一起，给石头的自然材料披上一层具有侵略性的日光色——这反过来又给石头一种人造的外观。
可以说，大自然是他的艺术主题之一。无论他用什么符号，都是基于自然的。他的作品总是带有德国浪漫主义的风格。德国浪漫主义是属于他的第一乐章，包含了非理性、幻想和感官的力量。
作为艺术家，乌戈·罗迪诺的大部分作品，都是关于幻想和欲望的。他的许多作品，都会凭借丰富多彩的艺术呈现，将观者带入一个明亮的色彩世界。
2007年，罗迪诺和乌尔斯·菲舍尔（Urs Fischer）在第52届威尼斯双年展上展示了他们在大运河上的圣斯塔教堂的作品。
在这套作品当中，罗迪诺构思了一系列的树形雕塑。它们都依据意大利那不勒斯地区的古橄榄品种塑形，再用铝和白色搪瓷铸造制成。这种形式，寓意的是“精神上的三位一体”——自然世界、浪漫主义和存在主义。
2022年夏天，罗迪诺在威尼斯的圣乔瓦尼埃万杰里斯塔大学校(Scuola Grande San Giovanni Evangelista)办展。与教堂的文艺复兴和巴洛克式建筑，形成鲜明对比的是，天花板上悬挂着七个真人大小的“裸体舞者”雕塑。
他们涂抹着蓝天的颜色，被悬挂在华丽的拱顶上，暗示了一种舞蹈般的和谐感觉。罗迪诺就是舞蹈的编舞者。展览的策展人哈维尔·莫林斯(Javier Molins)说:“这次经历太棒了。”莫林斯还补充道:“就像许多伟大的艺术家一样，他让我们看到了我们自己看不到的东西。”
罗迪诺相信，他的作品基调中所有的符号，都是由浪漫主义运动产生的。这可能是他的作品的根基所在。由幻想和欲望催生出的种种艺术奇迹，是支撑他创作的支柱。
在艺术的奇迹中，无论媒介或材料，都是统一的组成部分。“所有的艺术家都让奇迹永存。”他说，“艺术始于童年。作为一名艺术家，你从童年的记忆中汲取养分。许多艺术家从小就隐居起来，建立自己的世界。他们的艺术揭示了这一点。”
“艺术超越了语言，还有诗歌。”罗迪纳补充道，“他们有相似之处。他们行动缓慢。他们创造了自己的时间性。”罗迪诺用诗人的语言谈论艺术，这让人想起他的丈夫——诗人约翰·吉奥诺。
“当我谈论我的艺术时，我所做的就是描述它。我描述了它的不同部分，什么是材料，什么是主题——但我并不看重它。当你描述时，你透露了很多，但剩下的是感觉:当你看着它时，你面对的是什么。”
罗迪诺说：“对公众来说，最重要的是他们要花时间去面对。就像听音乐一样。如果你面对音乐，你会得到最大的好处。艺术也是如此:你看得越多，你得到的好处就越多。这意味着你愿意敞开心扉。”
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